Le 2 mars, Sotheby's présentera cinq œuvres de Claude Monet peintes au cours d'une période de formation de quinze ans au cours de sa carrière, retraçant le pivot de l'artiste d'un peintre impressionniste au père de l'expressionnisme abstrait.
La série de cinq toiles reprise sous Monet x Monet | A Distinguished American Collection brosse un tableau de la façon dont Monet a abordé le concept de capture de la couleur et de la lumière sur la toile d'une manière de plus en plus moderne et abstraite, à travers une gamme de motifs clés. D'une toile fleurie, qui préfigure les célèbres peintures tardives de nénuphars de Monet, à une représentation rythmique de meules de céréales et de deux paysages peints durant deux saisons opposées, les œuvres - toutes antérieures à 1900 - résument le Monet moderne qui eut une si profonde influence sur les artistes et les mouvements ultérieurs. Avec une estimation combinée de l'ordre de 50 millions de dollars (35 millions de livres sterling), les peintures seront proposées à la vente aux enchères moderne et contemporaine de Sotheby's à Londres le 2 mars 2022.
Helena Newman, présidente de Sotheby's Europe et responsable mondiale de l'art impressionniste et moderne, a déclaré : "Avec Picasso et Van Gogh, Monet est l'un des artistes les plus recherchés au monde aujourd'hui. Ces dernières années, l'énergie qui l'entoure a pris une vigueur encore plus renouvelée, à la fois dans l'arène mondiale des expositions et parmi les collectionneurs du monde entier - en particulier en Asie où il est une figure bien-aimée. En traçant la progression vers ses grandes peintures de nénuphars, ces cinq œuvres étonnantes articulent avec brio l'histoire de Monet en tant que père de l'art moderne."
Simon Shaw, vice-président de Sotheby's - Fine Arts : "Monet a eu une influence-clé sur les mouvements abstraits du XXe siècle et, longtemps après sa mort en 1926, il reste une force forte et pertinente. Fait révélateur, dans les années 1950, avec la montée de l'expressionnisme abstrait, le MoMa à New York a acquis un Nymphéas pour sa collection. Ce lien symbiotique a continué d'être exploré dans les années qui ont suivi, avec Monet et l'abstraction en 2010 au Musée Marmottan Monet, et actuellement dans l'exposition Helen Frankenthaler à la Dulwich Picture Gallery de Londres."
Massif de chrysanthèmes, estimé entre 10 et 15 millions £, est l'une des quatre natures mortes consacrées aux chrysanthèmes peintes par Monet en 1897. Monet, fasciné par le Japon - une fascination qu'il partageait avec nombre de ses contemporains -, peint les fleurs occupant toute la toile, les bords de la peinture recadrant la composition, remettant ainsi radicalement en question la longue et illustre tradition de la nature morte, à la fois le sujet et la composition. En 1854, les ports japonais s'ouvrent au commerce occidental pour la première fois en 200 ans, déclenchant une vogue pour le japonisme qui pénètre presque tous les aspects de la vie occidentale.
C'est à cette époque que Monet découvre pour la première fois des estampes japonaises, utilisées comme papier d'emballage dans un magasin d'épices aux Pays-Bas. Il devient rapidement un collectionneur passionné, ornant les murs de son atelier d'estampes qui viennent compléter les fleurs (dont les chrysanthèmes) qu'il fait pousser dans son jardin. La composition du tableau s'inspire presque certainement de l'œuvre du grand graveur japonais Hokusai, dont Monet possédait des estampes de Grandes fleurs. En fait, l'influence des représentations de fleurs sans arrière-plan de Hokusai peut également être observée dans les Nymphéas, et ce n'est pas un hasard si les premières peintures de nénuphars de l'artiste datent de la même année que ces peintures de fleurs en gros plan. La fleur de chrysanthème détient un statut particulier au Japon. Le chrysanthème est symbole de pouvoir et, souvent, du pays lui-même. C'est sans doute pour ça que ce tableau a été exposé pour la dernière fois au Japon, en 1995, et est entré, à un moment donné au cours de sa prestigieuse histoire de propriété, dans une collection privée japonaise.
Gustave Caillebotte fut un ami proche de Monet. A sa mort en 1894, son frère offrit à Monet un grand tableau de fleurs - une œuvre que Monet a conservée pour le reste de sa vie. Cette œuvre fut peut-être aussi une source d'inspiration pour l'artiste.
Estimé entre 15 et 20 millions £, Les Demoiselles de Giverny présente l'un des motifs les plus reconnus peints par Monet, celui des meules de foin. Revisitant le sujet en 1894, à la suite de la célèbre série de meules de foin qu'il a peintes en 1890-1891, l'artiste utilise le symbole de la santé rurale de la France pour poursuivre son exploration révolutionnaire de la construction d'une toile par la peinture. La surface richement texturée de l'œuvre démontre que l'utilisation sculpturale par Monet du médium anticipe le phénomène de l'abstraction. Le titre du tableau, Les demoiselles de Giverny, tire son nom de l'expression française familière et évoque des figures en mouvement dans un paysage, faisant écho aux nombreuses occasions où il avait peint des figures féminines dans la nature dans les années 1870.
Glaçons, environs de Bennecourt, estimé entre 5 et 7 millions £, montre la progression de Monet vers ses peintures de nénuphars du XXe siècle. Fin décembre 1892 et janvier 1893, la Seine connaît de fortes gelées et chutes de neige. La capture des banquises à la surface du fleuve était une floraison naissante des peintures de nénuphars, que Monet commencera quelques années plus tard.
Peint en 1897, Sur la falaise près de Dieppe, soleil couchant, estimé entre 3,5 et 5 M £, fait partie d'une série d'œuvres représentant la côte normande. Les peintures étaient inhabituelles dans leur choix de couleurs, car Monet utilise une palette méditerranéenne douce pour peindre le périmètre Nord dramatique de la France. La réduction des formes de la nature à leur essence avec un coup de pinceau gestuel a représenté les premières incursions de Monet dans l'abstraction. Au moment de sa mort, il était devenu un peintre abstrait à part entière, destiné à avoir une énorme influence sur la génération d'artistes qui a suivi.
Le groupe est complété par Prunes et Abricots, peint vers 1882-1885 à une époque où la production de Monet commençait à toucher un public plus large et à gagner une reconnaissance croissante. En 1882, le légendaire marchand d'art Paul Durand-Ruel avait commandé une série de panneaux décoratifs représentant des fleurs et des fruits pour le grand salon de son appartement parisien. Alors que Prunes et abricots ne faisait pas partie de la conception finale, cette charmante nature morte, estimée entre 1,2 et 1,8 million £, a été acquise par le marchand en 1890.
Fondatrice
Voir et regarder l’art. Puis transformer en mots cette expérience première, qui est comme une respiration. « L’écriture permet de transmuter ce que l’œil a vu. Ce processus me fascine. » Philosophe et sculptrice de formation, elle a été journaliste entre autres pour L’Echo, Marianne Belgique et M Belgique. Elle revendique de pouvoir écrire dans un style à la fois accessible et subjectif. La critique est permise ! Elle écrit sur l’art, la politique culturelle, l’évolution des musées et sur la manière de montrer l’art. Elle est aussi artiste. Elle a fondé le magazine Mu in the City en 2014.
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